斉藤りょう子さんは、ゆっくりと言葉を選んで穏やかに話す。それは、15年近く続けてきたヨガとその後に深めていった瞑想の賜物なのではないかと感じさせる。〈HERENESS〉とライフスタイルプロダクト〈KINTO〉とのコラボレーションイベントでは、〈ティーメディテーション〉というお茶を入り口にした瞑想のワークショップを開催してくれた。瞑想を自然に生活の中に落とし込むコツを斉藤さんに伺った。

かつては運動に縁がない生活を送っていたという斉藤さんは、偶然訪れたジムでヨガを始めた。そして何度か繰り返す中で、普通とは明らかに違う呼吸や心が整う感覚を得たという。

「それまで普段、身体に感覚が向くことがなかったんですけど、ヨガを終えた後にすごく身体が安定していている感覚がありました。あと、過剰にお腹が空くとか、過剰に何かがしたいという、過剰だった部分がすごく落ち着いていて、穏やかさを感じたんです」

ヨガのスイッチが入った斉藤さんは、すぐにもっと深めたいという気持ちになる。しかしそれは2008年のこと。まだまだヨガを専門に学べるところは限られていた。

「その時は、ヨガをできるところが少なくて。ワークアウトの一部でなくてヨガだけをやりたかったので、ヨガの学校のような場所があることを知ってそこで始めました。ヨガの先生を養成する学校で、ヨガのポーズだけでなくて生理学や哲学などを学べるところです。

ただ、あまりに経験のない状態で行ってしまったので、一回やっただけでは自分の中にうまく落とし込めなくて。それを通して自分がやりたいヨガが見えてきたので、もう一度学校にいくことにしました」

斉藤さんがやりたいと感じたヨガの方向性とは、体だけでなく心も整うもの。そのための哲学なども学べるところを探していった。

一方で初心者は身体からアプローチするのがヨガに入っていきやすいとも教えてくれる。

「はじめは細かく身体に意識を向けることがないので、筋肉とか骨、外の自分の身体から、どんどん自分の心に触れていくような感じでヨガをしていました。ポーズから内観して深めていくような感じかなと思っています。ヨガを始めたことがない方は、身体にある感情とか自分の身体に向き合うことで、今まで知らなかった自分であるとか、そういうものに触れる経験になるので、新しい方には身体=アーサナ から始めるのは良いかなと思います」

斉藤さんはヨギであると同時に瞑想家として、瞑想の魅力も伝えている。それは本来、一体のものだからだ。

「ヨガのステップってまずヤマ・ニヤマと呼ばれる生活態度のようなものがあって、ヨガのポーズ(アーサナ )があって、最後のほうに瞑想がある。その瞑想のためにヨガのポーズがあるっていわれるんです。ただその瞑想が自分でできているかどうかが分からない。

目に見えないのですごくそこに興味があって、10日間沈黙の行を積む〈ヴィパッサナー瞑想〉のコースを受講したり、Googleがやっているマインドフルネスのワークショップ〈Search Inside Yourself〉を学んだりと深めていきました。目に見えないことをうまく人に伝えたいなと思って学び始めたんです」

瞑想を生活の一部に

斉藤さんも話す通り、目に見えない瞑想は難しい印象があるのも事実だ。初心者は、どのように取り組んだら良いのだろうか。

「瞑想をしやすい環境を作って、そこに規則性を持たせて、そこで座るというところから始めるのが良いですよ。そうすると日々の変化も感じ取りやすいですし、今日はできたのかもってわかりやすいかもしれないです」

習慣化するというのが、ひとつのポイントになるようだ。ただ、雑念をなくして瞑想ができたといえる実感を持つのはやはり難しい。

「できていないことに気付いてるっていうのも瞑想になっているんですよ。瞑想って気づきという意味で『気が散ってあることを考え続けているな』ということに気がついていれば瞑想なんです。頭を空っぽにするなんて多分、死なないとなれなくて(笑)。だから考えていても大丈夫です」

実際に瞑想を実践してきた斉藤さんは、それによってどんな変化を感じたのだろうか。

「自分じゃないことをすることが減りました。客観視をする思考ができてきたのだと思います。なんとなく忙しいと自分じゃないことをやってしまったり、突発的にやってしまうことがあったんですけど、きちんと自分の本質に近いことをできるようになった気がします」

伝えるということ

そして現在、斉藤さんは様々なワークショップを通じて、ヨガと瞑想の魅力を伝えている。

「あまり教えるというスタンスが好きじゃなくて、自分がいろんなこと、瞑想やヨガを経験して、それをシェアしていくみたいなかたちが好きなんです。教室で先生をするよりも企業さんなどとご一緒させてもらって、イベントを作っていくことが好きでやっています。

瞑想もその場所だけですごく集中できても、あまり生活に活かされないということが自分にもあるなって思っていて。自分が瞑想を勉強している中で禅の考え方にも触れるようになって、お茶を勉強するようになったんです。お茶を飲むっていう毎日の自分の生活の中で、どれだけマインドフルに人生を生きていけるかってことを伝えられたらいいなと思って〈ティーメディテーション〉を伝えています。

お茶を飲むことでも『自分が今何を飲みたいのか』とか、『喉が乾いて飲んでいるのかな』とか、自分に注意を向けるきっかけになる。すごく生活が豊かになるタイミングを作れると思ってやっています」

情報が多い世の中で、自分で考えたり、感じたりすることを大事にしたい、できるだけ体験を通した豊かさを届けたいと話す斉藤さんに、この先のビジョンを伺ってみた。

「芸術とかヨガとか瞑想が、いま豊かな人にしか行き渡っていないような気がしているんです。海外では、こういうものに子どもや困っている人が無料で触れることができる機会が多いように感じていて。すでに豊かな人にとってのプラスアルファじゃなくて、足りていない人やこうした豊かさを知るきっかけがこれまでなかった人に伝えることができたらいいなと思っています」

（プロフィール）
斉藤りょう子

人間の身体、目にはみえない心に興味があり、2008年よりYOGAを体系的に学び始め、2014年よりYOGAを通じた活動を始める。その後、マインドフルネス瞑想を学び、ブランドとのタイアップ、イベント出演、企業や医療へ向けたマインドフルネス瞑想を提供するなど活動している。
現在は、ソマティックワークを用いた「 声の瞑想 」 瞑想を通じて学びはじめた「 茶 」の空間や時間を瞑想とする「 ティーメディテーション 」により、静けさや穏やかさ、日々の無意識の中にある瞬きへの気づき、身体と心をおおらかに開き、受け取り、外の手触りを感じることを伝えている。
信条は、愛と思いやり、他者を理解すること。
・ マサチューセッツ州立大学 Center For Mindfulness SR-401-8W修了
・ Search Inside Yourself 受講済 (Mindful Leadership Institute)
・ ヴィパッサナー瞑想10日間コース修了

中央高速道路を須玉ICで降りて谷間を瑞牆山方面へと登っていく。カーブが続く山道を進むと、辺りの風景はまるでタイムスリップしたように昔の田舎の風景に変わる。山の姿を静かに映すみずがき湖を超えると、たどり着くのが日影地区だ。標高1000m、人口30人のこの集落に戦前からある小学校分校を活用した複合施設〈0site〉はある。モデルのベイン理紗さんは最近、友人が営むこの施設に通うようになった。コロナをきっかけに食の本質を探りたくなり、食べ物が作られる現場を見たくなったからだ。

理紗さんは、美術大学に通いながらモデルとして活動し、最近は媒体などを通した発信も積極的に行っている。オンラインメディア〈NEUT〉では、彼女の連載『FEEL FARM FIELD』を通じて「五感を農から広げていく」というコンセプトで、彼女が畑を通じて感じたこと、発見したことを共有している。

「きっかけはコロナが大きくて。コロナが始まって、みんなが犯人探しというか、どこに責任をおくか、原因を見つけようとしていた。ウイルスが食肉市場から発見されたからといってアジアや中国を責めるんじゃなくて、目の前の食事がどこから来たのかをちゃんと深掘りしたり、根っこの部分を知れば、罵り合うことはなくなるんじゃないかと思い始めて。

じゃあ、自分がそれに対してどうやったら向き合えるか。自分がこれから先、自信を持ってちゃんと生活するために食事を見直そうっていうのが一番最初のきっかけです。

でもそこからどうやってやったらいいか分からなくて。とりあえずヴィーガンを取り入れてみたり、ちっちゃい家の庭でトマトを育ててみたり」

山梨県の山奥で土に触れる

そんな時に声をかけてくれたのが、友人の古山憲正さんだった。しばらく海外を旅しているうちにイスラエルの集産的な共同体〈キブツ〉に滞在し、その在り方に感銘を受けた憲正さん。北杜市須玉町・増富地区の日影集落に縁ができ、廃校を使用する許可を得て、ここでキャンプ場やイベントスペース、畑などを運営する〈0site〉を立ち上げた。

「最初はオンラインで、今こういうことを考えてて、食事に関してはもっと知らなきゃいけないことがある気がするっていう話をして。食事を通して社会は繋がってるよねっていうことをずっと話してて。そうしたら憲正が、山梨県でコミュニティを作ることとか、自給自足ということに重きを置いた活動を始めたので、私もそこに乗っかってなんかやりたいって事で、それが畑だったんです」

はじめは地域の農家さんの手伝いをするところからはじめた理紗さん。最初は３畝のさやえんどうの収穫に３時間もかかったという。けれど、食べ物が作られる現場に触れて、気づいたことがたくさんあった。

「その農家さんはご夫婦なんですよ。もう莫大な面積を夫婦二人で管理してる超バイタリティ高い人たちで。ずっと生き物と向き合うということを365日24時間考えてやってる農家さんはすごいなって。私たちが3秒とか4秒で口に運ぶものを何ヶ月もこうやって向き合って作ってる。私は何やってるんだろう、みたいな感じになったのが一番最初の気持ちというか感情。こんだけ考えてやっている人がいるんだったら、私もちゃんとご飯を食べるっていう事をもっと考えなきゃなって今回改めて思ったんです」

こうして地域の人との交流が生まれるうちに、理紗さんの関心は徐々に食そのものから、食を支える人や地方、そして食べる人たちや都市との関係にシフトしていった。

「この場所の環境がどれだけ私が住んでる都心とかけ離れてるかをすごく気にするようになりました。もっと、密接に関わるべきだし、農業は知らなきゃいけない一番根っこの産業なのにあまりにコネクションがない。コネクションを見る事が出来ないってことに疑問を持つようになった。

ご飯を食べることについて知るところから、人との繋がりだったりだとか、地方と都市の繋がりの薄さだったりとか、知らないことが多すぎるということに考えがセットされていった」

いまは理紗さんも憲正さんも畑をお休みし、イベントやメディアでの発信などを通して山梨県と都市の人を繋ぐ活動を始めたところだという。〈0site〉にキャンプ施設を併設したり、都市から人が訪ねてきたくなるようなイベントを行っていくそうだ。〈0site〉のWEBサイトやSNSでこれから発信される情報に目を配っておきたい。

病を経て未来や社会のことが自分ごとになった

理紗さんがこうした活動に至る背景には、コロナ以前にもうひとつ個人的な事情があった。

「2018年9月、大学に入ったタイミングでがんが見つかって、それで結構落ちてたんですね。心身ともに疲れ果てちゃってて。ココロ空っぽっていう状態が数年続いてる状態でコロナになって、自分のことで精一杯。自分が楽しむとか自分がどうにか生きるとか、もしくは、どうにか生きるっていうシリアスな部分を取り除きたくってただただ、なぁなぁに生きてるっていう感じがすごく強かった。

でも、やっぱり自分が知りたいこととか、自分がやりたいこととかに関して、真っ向から調べ上げるとか、その場所に行くってことは以前からずっとしていた。それを改めて周りを気にせずに自分のやりたいことや考えていることを言っていこうと思ったんです。

いつ死ぬかわからないコロナなどの現状がある中で、会いたい人に会いに行くとか、やりたいことをやるとか、知りたい事を知るとか、言いたいこと言うとかっていう事を、もっと自分が表に立ったり発信できる立場にいるんだったら、ガンガンしていくべきだよねって思って。だからそれを再開した」

これまでは病のことも自信を持ってオープンに語ることが難しかったという理紗さんだが、先日自身の連載でそのことも初めて書いた。

「私の連載のところに明言はしてないんですけど、病気のことを初めて書いて。みんなの反応も可哀想ってことではなくて、逆に納得してくれた。だから理紗は考えてるんだねって。みんなすごく、伝えたことで生きるということを意識してくれてると思うから」

来年、大学卒業を迎える理紗さんは、食と農と人との関係、そしてこれまで関心を持ってきた芸術の場作りを深めるためにヨーロッパ留学を計画している。先日もフランス、ベルギー、オランダ、ドイツを巡って、現地の大学や美術館、ギャラリー、農園などを視察してきた。

「コロナをきっかけに大学を休学したり、畑を始めたりもしたんですけど、自分がこれから先そういうモノをもっと伝えるっていうことをしなきゃいけない。それには自分自身も勉強しなきゃいけないって思い始めてからは、教育だとか成長していく過程で学べる環境や場所というのを作りたいって考えていて。

やっぱり自分の中で農に関わりたいとか食に関して関わっていきたいってすごく考えているから、今は大学は芸術系なんですけど、何らか農についてしっかり勉強する機会をこれから作って、じっくり時間をかけたいなぁって思ってます」

誰かのために、の先にサステナビリティはある

最後に今回着用してもらった廃棄服から生まれた〈CLAM〉と理紗さんの考えるサステナビリティについて聞いてみた。

「私はサスティナブルを目的に何かをするっていうことを自分の中ではしないようにしていて。それは、やっぱり持続可能なこととか、それこそ社会のこととか環境のこととか食のこととか、自分の身体のこととか、自然とちゃんと考えたら今のようにはなってないですよね。っていうことをすごく思っている。
それこそ、今回の企画もサスティナブルのために洋服を作るんじゃなくて、洋服をみんながもっとより良いカタチで作るために、結果的にサスティナブルが存在するっていう、そういう考え方がすごく好き。サスティナブルっていうものを意識するっていうより、誰かのためにって、その先にサスティナビリティがあるのが、みんなにとって一番幸せなことなのかなってずっと頭の中で思ってます」

能登半島の真ん中あたりに浮かぶ静かな島、能登島。ここにある有永浩太さんのアトリエで、吹きガラスの技法によるグラス作りを見せてもらう。とても高い温度の窯で溶融したガラスを、吹き竿と呼ばれる金属管で取り出し、息を送り込んで膨らませる。成形用の別の窯で調整しながら、みるみるうちにカタチが定まっていく。

有永さんの動きは一切の無駄がなく、コンテンポラリーダンス、あるいは精巧な器械体操を見ているようだ。吹きガラスが、美的な作業であると同時にとてもフィジカルな行為であることがよくわかる。

学生時代に陸上部で800m走に取り組んでいた有永さんにとって、こうした身体感覚を伴う制作は、いつまでも飽きることなく追求できるものだという。

有永さんがガラスに触れるようになったのは工芸大学に入学したことがきっかけだった。大学一回生の時に陶芸、染め織、ガラスを一通り経験し、専攻を決める際にガラスを選んだ。

「吹きガラスは入り口はすごく難しいんですが、コツを掴むとすごい面白い素材なんです。多分、これはずっとやってても飽きない素材だなっていうので選びました。他の素材に比べてすごく直接的な造形ができる。吹きガラスって作業中のかたちと出来上がったものが全く一緒なんですよ。陶芸は焼くと縮んだり、あとは鋳込み（鋳型に流し込んで形成する技法）は別の素材で作ったものを置き換えたり、そういうちょっと変わる部分がある。吹きガラスっていうのは、吹いて完成して、釜に入れたらそのまま出てくるんです。自分の感覚とのズレがないというか、それがすごく気持ちがいい」




自分の感覚を大事にしたいという有永さんのこだわりは、幼い頃から登山をしていたり、陸上部で走ったりしながら、自分の身体をうまく使うという行為を繰り返してきた延長線上にあるようだ。

特に一般的にキツいと表現される中距離走、トラックの800mに取り組んでいた時の感覚は吹きガラス作りにも繋がっている。

「トラックを走っている時は、何を考えていたんだろう…。なんだか、シーンがどんどん動いていくんですよね。400mトラックを2周することは同じなんですけど、風景も競技場によって違うしレース内容も違う。そういうのは面白かった。スムーズに走れる時もあったし、全然走れない時もあるし、駆け引きもあるから集団になって全然身動きが取れないこともある。単純にトラックを走るって感覚ではなくて。それを凝縮した時間の中で行うので、それが面白かったですね」

有永さんのアトリエの片隅には面白いコーナーがある。一本歯の下駄や足袋、厚底のランニングシューズがまとまっている。

「最初はクッションの良い靴を履いていたんですけど、ちょっと腰にきたんですよ。それで、これちょっと続けにくくなるなぁって時に、この一本下駄をやっている人に出会って。体の使い方がそもそも違っているから、別のタイプも履いた方がいいって言われて。それで足袋を使い始めました。

このクッションのいい厚底シューズで弾みながら走るのも好きなので、いろんなシューズのローテーションの一角として試しています。一本下駄で歩くと体幹を使って動かないとグラグラするんです。それで慣れてきたら足袋で走るのもすごく楽になってきて。面白いですよね」


様々なシューズを履き分けて、走り方に変化を加えることで身体も変化し、腰痛も治ったという。

「ガラスの仕事は身体を傾けて作る。だから左右のバランスがすごく崩れるんです。なので午前の仕事が終わって走ると、その日の身体のバランスがわかる。仕事から切り離されて、音楽も聴かずに走るので、瞑想に近い感覚ですね。ずっと自分の身体の動きを意識して走っている」

800mを走っている頃のように、微妙な変化を感じ取りながら身体を動かすのが元来好きな性分なのだ。

「多分それはそうなんですよ。仕事自体は器だったり、元々あった伝統の技法の中で作る食器なんですけど、その決まっている中っていうのも細分できるので、いくらでも広げられる。そういう感覚っていうのが好きなんだと思うんですよね」

時間を意識した作品づくり

多くのレストランや料理家に支持され、なかなか手に入れることが難しい有永さんのガラス作品。その美しいフォルムや魅力の源はどこにあるのだろうか。

「美術工芸的なモノも作りますし、器も作るんですけど、器に関しては本当に使いやすさを意識しています。あと作り手の意見として、どれだけ正確に早くかたちにできるかというところがすごく大事になってきます。早く作れるというのは、それだけ価格帯も抑えられるし、みなさんの手に行き渡りやすくなる。それに吹きガラスの性質上、早く作れた方が綺麗なんですよ」

有永さんの器のシンプルな美しさは合理性がもたらすものでもある。一方で、工芸作品には時間の重層性が表現されている。

「ガラスってさっき言ったみたいに、すごく早い仕事ですよね。瞬間的に仕事をしていくんですけど、そこにもうひとつ別の時間軸を込めたいっていう思いがあって、工芸の仕事を始めたんです。

例えばこの作品の模様の意味するところは、織物であったり、編み物なんです。この工程自体が糸を紡ぐとかそういう感覚にすごい近いところがあって、そういう工程を経ることでガラスの中に織物が乗っている時間軸を込めて、ひとつの作品の中に2つの時間軸を両立させるような作品を作りたいなというところから始まっています。

話しだすとすごく長くなるんですよ（笑）。ガラスの歴史と、織物の歴史と、そういう話になってくるので。長い歴史がある素材なので、できればそういった側面を見せれらるように作りたいなって」

吹きガラスを永続的なものへ

吹きガラスは伝統工芸であり、有永さんはその歴史とフォーマットの中で、自身の感覚を磨きながら作品の質を上げ続けている。

一方で、運営が大変で引き継ぎ手が少ない吹きガラスの在り方に革新性を持ち込んでもいる。

「今はモノづくり自体やりたいっていう人が少ないみたいです。学校の話を聞いても年々減っている。吹きガラスは始めるのが大変というのもある。僕より上の年代の人なんかは、吹きガラス工房は儲からないから大変だよって。とにかく大変だからやめた方がいいんじゃないって言うくらい。でも、もっと違うやり方があるんじゃないかなと思って工房を作ろうと思ったんです」

6年前に能登島に移ってきた有永さんは、新しい工房のスタイルを確立しようと窯の開発から始めたという。

「一人で仕事をするので、窯の設計から窯屋さんと一緒に始めて、今までないタイプの窯を開発しました。普通ガラスを溶かす窯（溶解炉）は一度火をつけたら止められない。1年くらい止めないっていうのが常識だった。窯の中は1200度以上になるんですよ。そこまで上げるのに普通４、５日かかる。一回止めてしまうと、あの中に坩堝(るつぼ)っていう壺が入ってるんですけど、それが割れてしまうので交換しなきゃいけないっていうのが通常のガラスの窯だった。

ウチは火を止めても2日間かけてあげたら壺が割れずにずっと使えるようにしました。最初に自分の工房を持とうと思った時に考えたのが、吹きガラス工房が持っている大変な部分をひとつひとつ潰していくこと。これを変えたらこれがクリアできるというものを考えて作っていった。そうしたら意外と上手くいった。
なので独立したいっていう30代くらいの子がうちによく見にきますよ」

吹きガラスの在り方を根本的に考え、その核心を大事にしながら現在に合ったかたちにアップデートしていく。そうした本質的な考え方が、続く作家にも道を拓いている。

ガラスを生み出してくれるエネルギーを効率的に

廃棄された服を再利用したポリエステル糸〈RENU®〉を用いた〈CALM JACKET〉を着用いただいた有永さんにサステナビリティに関して普段考えていることを伺った。

「吹きガラスって、これだけの熱を使わないといけないので、すごくエネルギーが必要な仕事なんです。なので、この窯（溶鉱炉）自体は断熱を良くして、できるだけ熱効率を良い様に作っています。

従来の窯の2/3から半分のエネルギーで動かせているんですよ。仕事用の窯（成形用の第２の窯）も断熱を良くして、仕事をしていないときは完全に塞げるようにしているので、使ってない時の熱を逃げにくくしている。出来るだけエネルギーを効率よく無駄なく使いたいっていうのは、工房を作るときにひとつのテーマとしてやっていました。

それだけのエネルギーを使って作っているので、うちで溶かしたガラスは全部使い切る。なので、無駄なガラスっていうのはほとんどない。年間廃棄しているのは20kgしかない。自分がエネルギーを使いながら作っている、作り出した素材なので、それに対して責任を持ちたいなと思っています。

今窯屋さんに全てをクリーンなエネルギーでできる窯を考えてくださいって伝えていて。少し前までガラスは、あまり環境に良くないってガラス作家さん自身が言っていた。それだとこれから先この業界が受け入れられなく、どんどん狭まっていくだけになってしまう。ガラスを作る周辺の業界も回るように作り手がそういうことを考えて、それをきちんとアピールしていかないとと思っています」

これまで一人で制作を続けてきた有永さんだが、こうした仕組みを整備していきながら若い人を雇い入れて技術を継承し、ガラスで生きていける基盤を作ろうとしている。ものづくりの在り方を整え、後進の道を作っていくこともサステナブルな行為だ。

（プロフィール）
有永浩太 @kota_arinaga

1978　　　 大阪府堺市生まれ
1998　　　 フラウエナウ・サマーアカデミー（ドイツ）短期留学
2001　　　 倉敷芸術科学大学芸術学部工芸学科ガラス工芸コース
2001-2003　四季の里ガラス工房（福島県）スタッフ
2004-2009　新島ガラスアートセンター（東京都）スタッフ
2009-2011　能登島（石川県七尾市）を拠点にフリーの作家として活動
2011-2016　金沢卯辰山工芸工房　ガラス工房専門員
2017　　　 能登島に自宅工房　kotaglass　設立
2022　　　同在所内に工房拡張移転

相模原市の西北部に位置する藤野エリアは、四方を山に囲まれ、相模湖をはじめとした水と自然が豊かな土地だ。それと同時にアートの町としても知られている。そもそもは第二次世界大戦の折りに、藤田嗣治をはじめとした芸術家たちが疎開してきたことがきっかけだったという。都心から至近でありながら自然に恵まれたこのエリアが、芸術家たちを惹きつけたことは容易に想像できる。

アーティストの中瀬萌さんは、両親が芸術大学出身でここにアトリエと自宅を構えていたことから、この土地で生まれ育った。成長して都心での生活も経験したが、再びここに帰ってきた。

自然のエネルギーを感じる画法

「最初は点描画みたいなものをずっと描いていて、そこから色彩へと移っていきました。始めは東京で、ボールペンで白黒の点描画を描いていた。

こっち（藤野）に戻ってきてから、意識的にこういう自然の景色を見ていたりして、“色使おう！”というより、自然に手に取っていた。それは、見たものを残しておきたい、記憶を留めたいからというのが強いですね」

中瀬さんの主な画法の土台は、エンカウスティークという蜜蝋を溶融して色素と混ぜて描くという古代から伝わるもの。そこから現在は、独自の方法で新たに密猟を多様な方法で作品に落とし込んでいる。

「蜜蝋の塊って熱で溶けない限りは、何千年と安定している素材。だからミイラに使われていたり、アテネとかギリシャ時代から画材として使われているんですよ。

その歴史がすごく好きだし、自然のエネルギーがめちゃくちゃ強い感じがする。蜜蜂が花粉を集めて、その分泌物から生まれた素材だから」

自然との関係を作る機会を提供したい

藤野に帰ってきてから制作活動も数年が経ち、中瀬さんはいま新しい拠点作りを始めている。

山梨県と接する相模原の西端、佐野川という山深いエリアにその建物はある。すぐ横には沢が流れており、近くにはその名も〈井戸〉という地区があって、昔から水が豊かな場所だということがわかる。

「ここの地域の人はみんな川の水を引っ張って生活しています。すぐそこに登山口があって、陣馬山、高尾山と山が連なっているんですよ。

トレイルランのコースだったりするので山をハイキングする時の休憩場所でもいいし、上にある福祉施設と一緒にワークショップをしたり、ミュージシャンを呼んだり、アートに関わることでも、そうでなくてもこの場所の幅が広げられればいいなと考えています」

こうした場所で育ってきたから、中瀬さんにとって自然は当たり前の存在だ。けれど、都心暮らしを経験して、街に住む人たちにとっては自然に向かうハードルがあることにも気づいた。

自然の中で何をしたらいいのか、山に登るにしても何を着て何を履いたらいいのか、これまで自然との接点を持つ機会がなかった人にとってはちょっとしたことでも障害になる。そうした人たちに自然との関係を作る機会を提供したいという。

「隠してたんですけど、全部真っ黒の作品だったり、トゲトゲした作品やギザギザの真っ黒とかみたいな作品もあった。それが変化してきたのが、こっちに戻ってきて山に入るようになってから。自分で気づかなかったんですよ。作品って自分の身体みたいなモノだから、後になってようやく気づく。あ、ここに筋肉ついたみたいな変化と一緒で。だいぶ気持ちが穏やかになったんだなみたいな（笑）。

それは自分が喧騒から離れて、一度自分と向き合う製作の時間を持って、自分と対話して、気持ちいい瞬間があるから、そこを直感的に伝えたいっていうか、伝えたくて描いているかはわからないけど、そういう意味で描いている」

そんな変化を受け入れている中瀬さんからは、暖かいエネルギーのようなものが溢れている。それは周囲にも伝わっているようだ。

「このあいだ10年来くらいの友達が連絡くれて会ったんです。なんで連絡くれたの？って聞いたら、“なんか幸せそうだったから”って言われたんですよ。走っていたり、山に行っていたり、自然の中にいることを知っていたし、絶対その影響があるなって思って、今良いイオンを発してると思ったから吸いたいって（笑）。

なんだか言葉を素直にありがとうっていう感じで。自分が意識していないところで、心地いい時間を人にも与えられているのかなと思って。

こうした生活だったり、環境にいることを知ってもらった上で、何かを始める人がいるかもしれない。ただ、そのワンステップの手助けになればいいなって」

加々見太地さんと話していると“身体の痕跡”とか“身体と世界のぶつかり合い”という言葉がたびたび飛び出してくる。美術の表現を彫刻というフィジカルな行為を伴うメディアからスタートし、登山を通して肉体の限界や環境とのギリギリのせめぎ合いを続けてきた彼だから自然と出てくる言葉なのだろう。仮にそうした過程を知らなかったとしても彼の作品からは、まぎれもないリアリティと普遍性が宿っていることが感じられるはずだ。

秋の長雨が続く週末、グループ展『踏み倒すためのアフターケア』でヒマラヤ遠征に出発する直前の加々見さんに話を聞いた。

作品作り自体がフィジカルな行為

秋葉原の外れにある〈アキバタマビ21〉で開かれていたグループ展『踏み倒すためのアフターケア』のステートメントには「特定の地域やコミュニティ、自然環境など、表現が生まれる場所と、その表現の関係を意識してみる。すると、場所固有のレギュレーションや、コミュニティへの不適応、場所に由来する他者の期待と表現の方向性の違いなど、矛盾や困難と直面する」とある。

このテーマの下に場所と作品の関係をモチーフにした５人の作家が集まった。加々見さんの作品は氷瀑を登るプロセスの写真と登山道具、氷に見たてた建築資材・スタイロフォームが組み合わされたインスタレーションだ。

「表現のフィールドが自然環境、山だったりするので、今回はこのアイスクライミングしている氷瀑。長野県の四阿山(アズマヤサン)という山で、そこは米子不動という100mクラスの滝がいっぱい断崖に連なっている日本有数の氷瀑エリアです。そこの滝のひとつで、〈正露丸〉って名前がついてるんですよ（笑）」

ユニークな〈正露丸〉という名前はクライマーが名付けたもの。この滝を登ることを思うと胃がキリキリ痛み出すという意味で付けられた名前だそうだ。作品について本人から解説してもらう。

「何から説明すれば良いかな…。僕はこれを写真に写っている人と一緒に登ったんですよ。僕は登りながら撮影している。１枚目の写真は奥に正露丸が見えていて、雪を掻き分けながらアプローチしている。次に、正露丸の一番下のところからパートナーが登っているところを、自分が命綱をもちながらカシャカシャって撮らせてもらって。僕も登って中段で撮影して、最後に一番細いところがここ。

僕の身体の移動というか、登るという行為に伴う景色の変化を写真で切り取っていって、それをインスタレーションとして展示している。

その写真のイメージだけじゃなくて、今回このスタイロフォームと呼ばれる、一般的な断熱材を用いて写真にマウントして、実際に登るときに使うアイスアックスとかアイススクリューを構成できるようにこの素材を使っています。

実際に使うカラビナとか、着けていたグローブ、着てたジャケットとか自分の身体の痕跡みたいなもの、自分が登って帰ってきて、ここで提示するっていうことをテーマにして展開しました」

加々見さんはこうしたクライミングの際も、嵩張って扱いも難しい中判カメラを用いて撮影している。作品作り自体がとてもフィジカルな行為だ。写真と実際に使った道具のマテリアルが一体となって、アイスクライミングという非日常が会場に浸潤している。加々見さんが体験した空気の冷たさや、クライミングの息遣いが伝わってくる。

自分と世界との出合い、摩擦

「原体験は両親とのカヌーやキャンプ、スキーとか。でも山じゃないんですよ。椎名誠とか野田知佑、植村直己の本も家にあった。それを小学校高学年くらいから手にとって読むようになって、星野道夫さんの本も読んだりして、なんかこの世界いいなっていうのが自覚的に自然いいなって思った最初です」

むしろ山登りは加々見さんが父親を誘って始めた。高校生の頃は足が遠のいたものの、美術大学に入ると再び山へ向かった。登山を教えてくれる人物との出会いもあって、冬山にも挑戦し、段々とアルパインクライミングを志すようにまでなった。

インタビューの日は、優秀な登山家に送られるピオレドールも受賞した登山家花谷泰広さんの公募するチームで、ヒマラヤの未踏峰に挑戦するためにネパールに旅立つ直前だった。

一方で、子どもの頃から描いたり、作ったりすることが好きだった。自然と美術大学に進み、立体が好きだったことから彫刻科を選択した。

「彫刻っていうメディアが、かなりフィジカルなところなんですよ。重力との戦いでもあるし、素材との戦いでもある。肉体的なところもあるし。モノを置くってどういうことかとか、それを建てるとか。そういう時にリアリティを感じるんですよね。身体と世界のぶつかり合いというか。それで何かを作る、伝える。

自然のアクティビティ、自然の中に深く入り込んでいく時にもそれをすごく感じるんです。自分の心身と世界との出合いみたいな、摩擦みたいな。それを感じた時に自分を感じるし世界を感じる。そこに僕は魅せられていて、大事だなっていう思いがある。

それと彫刻的なメディアとか、自然に入っていくアクティビティとかっていうのを、実は相性いいのかもっていうので色々やってる感じです」

彫刻というフィジカルな手段からスタートした加々見さんの作品は、手法にこだわらず場所や自然環境と自身の身体の痕跡を都度都度表現しながら発展を続けている。

環境に対してできるのは愚直に表現し続けること

今回は服から再生したポリエステルで作ったHERENESSの〈CALM〉シリーズのキャンペーンに登場してもらった加々見さん。軽くて空気を含み暖かい〈CALM JACKET〉は登山の際のミッドレーヤーに最適だと語ってくれた彼に、最後に環境との関わりについて聞いてみた。

「僕が個人的にやれることは、自然と深く関わりを持ったアクティビティをしてるわけですから、その身体感覚を共有するということ。多分、全部そこからだと思うんですよね。その想像の届かない範囲のことはケアできない。だから、環境破壊とかが起こっているわけで。

みんな、誰しも目の前のその人を大事にしようと思っている。やっぱり、それの繰り返しじゃないですか。

例えば欧米諸国の先進国で環境を守ろうと言っているのも、その延長線上だし、途上国がCO2を排出しながらも豊かになろうとしているのは、その国を豊かにしようとか家族を豊かにしようっていう人間の行動原理なので、僕は全く否定できない。

それと同じように、自然環境も、目の前のこの景色を大事にしようとか、この自分に豊かな体験をもたらしてくれる山を大事にしたいなっていう、目の前の愛みたいなところからしか何も変わっていかない。

自分が愚直にやっていくことは、このような展覧会をするとか、発信っていうことだけ。僕ができること、言えること、語れることっていうのは、それでしかなくて。偉そうなことは言えないです」

（プロフィール）
加々見太地

1993年、神奈川県生まれ。 2020年、東京藝術大学大学院美術研究科彫刻専攻修了。 自身の身体で感じた世界や自然を通して、彫刻や写真を発表している。 登山活動にも力を入れており、ヒマラヤやアラスカでの登山を経験。